批评和创作是两个专业。社会劳动发展到今天，各行各业已经高度专业化了，希望大家抛开小农经济的思维局限，从客观性和专业性的角度对不同的作品进行讨论。著名的艺术批评家傅雷先生，德国的康德，黑格尔，美国的格林伯格，他们不是搞创作的，但他们都有很高的认知水平，思维水平和文化，所以可以当艺术的“医生”，促进艺术的发展。希望我们的栏目在一定程度上也能起到这样的作用。
接下来就让我回顾一下开贴来的精彩讨论。
Martin Parr 作品
怎样让照片更吸引观众的目光？
（论坛精选）
泡菜 摄影小三：
本期这个题目很好，很有普遍性，可以说是第三期话题更为深入的探讨，因为这涉及到创作突破的问题。事实上这也是摄影创作最难的地方之一，过去我们讲三秒钟原则，一幅可以称之为作品的相片，需要能够让观众停留在画面三秒钟以上，大家别以为三秒钟很短，事实上很难了，在图片泛滥、大家饱受审美疲劳困扰的今天，很多图片我们看一眼马上就飘过了，包括一些技术上很完美的沙龙唯美作品，由于审美疲劳，我们都难以停住目光。
第三期我提出了画面元素的关系问题，其实这就是让观众目光停留的一种方法，特别是与画面之外的关系，画面存在审美关系，才能引起观众的思考与共鸣，一眼飘过的作品，是不可能让观众产生思考与共鸣的。但是，这是非常难的事情，不然个个都是大师了。我也讲过，追求的过程也是十分快乐的，我们有追求精进的自由，有追求突破自己的自由，虽然我们未必成功，但追求的过程是快乐的、值得的。
摄影小三 作品
附上一图，这是在公园散步时拍的，疫情后我自己为自己设了个试验性的项目：人与自然--公园365，一开始拍花木、拍景观，然后切入人文，断断续续拍了几千张，一直在去除唯美的方向上努力，寻求突破，希望呆在这个不大不小的公园拍几年后，能拿出几幅可称之为作品的相片。在这个过程中我一直在进步，主题方向在心中慢慢明晰起来，这一张是我最满意的，当时前面小道上人来人往，我坐在后面一直等小道上没人的空隙，当行人拉开距离，画面的小道上出现没人的空隙时，我果断按下快门，再拍一张已经有行人走进小道，同时画面中的两人也起身离开，很幸运拍到我想要的画面，也在弃唯美路上迈出一小步。
主持 Leonqu：
我认为片子是不是有吸引力，首先得过自己这一关，拍自己喜欢的题材很重要，至于别人看了好不好看其实并没有考虑。当然拿出来分享就是另一回事儿，发之前我会想我想传递的是什么。表现“人与自然”的主题在公园里拍两个老爷们儿来体现，我认为是比较牵强的。画面既没有突出人的概念，更没有自然的概念。
泡菜 摄影小三：
这张片子干净肃穆的气氛是我喜欢的，也是切入了人与自然的主题，当然，单这么一张片子没什么，像是举手一拍，一些大师的单张片子看上去不也像举手一拍么，是要有一系列风格统一的输出才能说明问题的，正在努力中，不过在同一个公园要做系列输出，挑战是巨大的，但我不在乎结果，只是希望能通过这次实验突破自己。我也希望用日常生活来表达这个主题，而不是轰轰烈烈宏大叙事那种方式，更切合业余本性。
构图方面也中规中矩，一白一黑的衣着两者的对比关系与环境的对比关系，产生一定的视觉效果，但整体又是和谐的，没有违和感，表达了人与自然应有的关系，我在学习肖尔，但不复刻肖尔。有朋友说那支路灯碍眼，我不觉得，那支路灯正好是人与自然的产物，也正好与两个人之间在色彩上和线条上构成一个视觉三角关系。构图示意图如下，画面完全没有裁剪。
主持 Leonqu：
所以不是修辞的问题，是句子本身的内涵就不对。我们讨论的不是人的问题，是好看不好看的问题，画面是否有美感的问题。您怎么理解人与自然的关系？您对这个主题的理解和观点是什么？
泡菜 摄影小三：
我以前也跟您一样，把人与自然的主题想得很复杂，似乎要宏大叙事才能表达，后来看了摄影史上一些作品，特别是看了一组当中国唯一入选柏林双年展的作品（哪一届忘了），我受到很大的启发，平凡有时更具有意义。
嘉宾 constaintin-fox：
有这个问题提的很好。照片只是初步表现出了两个人（主体元素）之间的某种关系，人跟自然的关系还不是太明确。还有，您提到的“画面美感”是个重要的切入点，因为视觉的愉悦感也是吸引观众的重要因素。
泡菜 摄影小三：
揭示人与自然的关系，不一定要宏大叙事，可能平凡到每天就发生在我们身边。例如，修建一个公园，人们把自然“规范”化，却又要当作“自然”来呈现，我们姑且称之为“人工自然”，典形代表是园林，这既是一种合理行为，又是一种矛盾。现在一些公园会刻意保留一些原生态，称之为生态区，这张片子就在生态区拍的，有没有注意到片子的左上角是一片芦苇？这是野生的，真正的自然，除此之外全部是人工自然。
Martin Parr 作品
人与自然什么关系？当我们走进公园，就与自然发生了关系，我们进公园不是来购物的，而是来体验自然，放松心身的。但是，我们体验到的自然，却不是真正的自然，而是“人工自然”，那怕在生态区，仍然存在大量对自然的人工干预。片子的左上角是生机勃勃的野生芦苇，中部和右边是一片枯死的人工种植的植物（人工自然），两个一白一黑的成年男子，身边各放一瓶水，注意，有一个是保温瓶，说明不是路过的，而是有备来游公园的，他们坐在那欣赏眼前的景色，注意，白色衣服那个把上衣卷了起来，说明被晒热了，可还坐在那，还有，他们两个坐着隔有一些距离，说明不是在谈心，在干什么？难道不是在休闲吗？可休闲在家也可以呀，干嘛要跑到公园来？不就是为了体验自然么！这不是与自然的关系吗？那么，眼前的景致能给了他们多少愉悦的感受？有没有什么觉醒或想法？他们心满意足了还是抱有遗憾？
Martin Parr 作品
当然，我前面说过，一张片子说明不了什么问题，需要一个系列来揭示人与自然这个主题。我们身处都市之中，公园是我们体验自然的捷径，那么，公园这种“人工自然”，将带给我们多少亲近自然的体验？是原生态带给我们更多愉悦，还是“人工自然”带给我们更多美感？我们应当在这两者之间取得怎样的平衡？公园是给游客通过亲近自然、体验自然来获得休闲、放松心身的，要怎么做，才能带给游客更好的体验？安塞尔之所以伟大，不是他拍的风光片有多唯美，而是他唤起了美国政府对自然的保护。
Martin Parr 作品
我的公园试验项目企图用图片来揭示一个问题，不是让观众看美丽的画面，事实上我在极力去唯美化，只保留一些构图上或几何上的规则，而要真正说明问题，光图片还不够，不但要有系列，还必须有恰当的文字说明。
嘉宾 constaintin-fox：
我个人理解，去唯美化是没有问题的。只是美感不一定等于唯美，它还包含很多其它因素。照片不一定需要唯美，但不能没有美感。当然，这个美感是广义的。
泡菜 摄影小三：
这片美吗？我认为图片真正的美是规则上的美，而不是物体自身的美，表达物体自身美的片子我拍多了，别说论坛，朋友圈我都懒得发。
摄影小三 作品
嘉宾 constaintin-fox：
关于那张照片，我前面说了，已经肯定了您使用了对比的手法，这不就是构图规则么。图片真正的美是规则上的美，而不是物体自身的美。这句话也没错啊，很赞同。我说的“美感”，恰恰就是指形式上的美感而不是自然物本身的美。
那张照片，在某种程度上建立了两个人物之间的关系，这一点是值得肯定的。但从整体上看，这是远远不够的。背景还需要精简（当然这个精简不一定是裁掉背景），关系还需要突出。尤其提到“人与自然”，这个话题太大，从当时的画面中是感受不到的。吸引人的照片，必然是各种手法和元素的综合运用。如有偏废，势必会影响表现力。
此外，在照片上画出线构成的“几何形状”和指向性线条十分牵强。实际上根据那张图我们还可以另外画出很多连线图形，然而没有实际意义。话说回来，这个拍摄的认知和方向是对的，应该继续下去。因为本楼的美女图谈不上美，不值得效仿。
泡菜 摄影小三：
不要误会，我不是要大家肯定这张图片很好，只是想通过争论来知道大家的真实看法，争论就不就是要这样么。如果大家说这张片子不好，我附和说拍的确实不好，讨论结束！这对我有什么用？大家说片子不好，不好在那里那里，我说片子好，好在那里那里，大家越说越深，只有这样，大家才能讲出真实的想法，我才能获得真正的意见，对我来说才有用，真理越辩越明。
泡菜 华东菜瓜一号：
我怎么感觉这个讨论好像偏离主题了啊……“怎样让照片更吸引观众的目光？”这个是主题啊，从这个主题看，是明确指向“已经拍好的照片如何重新调整各个方面才能达到更吸引观众的目光”，看着现在的讨论，我晕啦，我书读的少，各位大神可不要骗我啊。
你们这些围观的摄友啊，现在有这么好的机会，大家发图啊，别光看不发图啊……我来一张，大家拍砖，我是属于“不拍不舒服斯基”，“三高”患者，来来来，走过路过不要错过～
华东菜瓜一号 作品
嘉宾 constaintin-fox：
从这个主题看，是明确指向“已经拍好的照片如何重新调整各个方面才能达到更吸引观众的目光”恐怕这段话您理解错了。重新调整各个方面只能在某些方面取得一些微弱的效果。而照片的吸引力大部分来自于前期的设想。所以讨论的方向应该是更注重前期拍摄。
泡菜 华东菜瓜一号：
如果按照大神的理解，此帖讨论的应该是：A：如何分析及拆分目标受众，B：如何选择适合受众的主题，也就是说此帖讨论的是选题拍摄，问题在于，我看到现在，连A项都根本没有谈及。
嘉宾 constaintin-fox：
从至少我的理解不是这样的。A.不用考虑目标受众。每个人对自然的感受都有自己的经验和判断，人对于美好事物的认识在很大程度上是有共性的。B.拍摄主题是为了展示摄影师的见闻，不是为了一味迎合受众。所以，此贴讨论的是怎样拍好自己想拍的照片，才能更符合人们的观赏情趣。
主持 Leonqu：
非常同意嘉宾的观点，拍摄前的构思是决定一张作品成败的关键。古话说，运筹帷幄，决胜千里。任何成熟的作品都是长期思考和反复实践的结果，没有前期的思考和策划，最终的结果只能是碰运气，即便偶尔拍到另自己满意的作品也很难持续。
这里发一个比较成熟的拍摄案例。通过这个案例我们可以看到摄影师是如何对他的主题建立认识，并将自己独特的理解通过个性化的镜头语言呈现给观众的。
十多年来，丹尼.克林奇 (Danny Clinch) 一直在记录音乐行业，在他的作品中拍摄了范围广泛的主题——从嘻哈巨星到僧侣。Clinch 已经确立了自己在音乐界的内行地位，难得地瞥见了音乐家及其生活背后的年轻自发性和活力。
Clinch 1964 年出生于新泽西州，在上社区大学时对摄影产生了兴趣。毕业后，安妮.莱博维茨 (Annie Leibowitz) 在安塞尔.亚当斯画廊 (Ansel Adams Gallery) 的工作室与她见面后，克林奇 (Clinch) 获得了实习机会。他最终成为了她的助手——与 Mary Ellen Mark 等其他摄影师一起旅行和工作。
Clinch 在 20 世纪 90 年代开始为 Spin 拍摄照片，但拍摄音乐家对 Clinch 来说并不是什么新鲜事。在波士顿居住期间，他记录了当地乐队 Rick Berlin: The Movie，激发了他对新闻摄影和音乐的热爱。为音乐家拍摄是 Clinch 自发工作的好方法。特别是在音乐会等场景中。这种自发的方式让音乐家们对 Clinch 感到舒服，并从此成为他摄影的标志性风格。
这组印样是 Clinch 在 Austin.Texas 时拍摄的一系列照片。2003 年西南偏南音乐大会和音乐节的主题是已故音乐家克里斯.惠特利，他当时正在音乐节上演奏。
“我和 Chris 拍了几次照，还经常去听他的音乐会，后来成了朋友。他在音乐节上演奏，我在一场演出中偶遇了他。当时他在一个小厂牌里，我建议 我们花了一点时间在一起拍了一些照片。所以我用租来的车接他，我们在奥斯汀周围闲逛，寻找一些有趣的地方。我们遇到了这座墙壁严重开裂的老教堂，视觉效果让我印象深刻。所以我们下车开始拍摄。尽管 Chris 经常显得谦虚和害羞，但当我给他拍照时，他似乎总是很在场。我认为他不介意。有些音乐家不喜欢这个过程，但 Chris 是一个天生的......非常诚实，是我通过摄影和对音乐的热爱遇到的最聪明、最有趣的人之一。”
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