上一次评图说到创作标准的问题。我本来是学西方艺术的，主要是当代艺术理论和方法。你给我一件作品，我大致能说出这个东西怎么搞出来的？背后的想法是什么？标准是什么？但无法按着那个标准去做。就像英文的文章我能看懂，但你让我用英文写抒情诗我是做不到的。看作品、看文章用的是逻辑思维、对文化的理解和经验，是用脑子在看，不是用心在看。
这个事儿反过来想是不是也成立呢？用中国传统的艺术标准来指导现代的艺术媒介，比如摄影。
我最近看葛路先生撰写的《中国画论史》，其中一段谈到唐代的艺术理论家张彦远评价吴道子的创作：
“意不在于画，故得于画”。
吴道子作画技法的熟练是惊人的。“或自臂起，或从足先”，而能“肤脉连结”。一般画人都以头部开始，吴道子可以从任何部位画起，最后总体和谐。
他画直线不借助于界尺，画圆不用规，“弯弧挺刃，植杜构梁，不假界笔直尺。”
吴道子达到了随心所欲不逾于矩的地步，在张彦远看来，这是由于吴道子“守其神，专其一”,就是精神非常专注，这当然是对的了。但他又以庖丁解牛、郢匠运斤的故事为例，进一步比喻精妙的技巧。“夫运思挥毫，自以为画，则愈失于画矣，运思挥豪，意不在于画，故得于画矣。”
这让我想到2016-2017年创作的两幅作品，这里跟大家分享一下我当时创作的一些想法。
第一幅是2017年创作的这幅《星光》，当时我想黑白作品能否反映一些精神性的东西，一种冥想的状态，超越现实的烦恼，对内心的一种净化。片底是我在2005年拍摄的一张黑白的海的反光。
星光｜2017
选一张12年前的作品再创作了一幅新的，我认为对于摄影来说是完全有可能的。好像艺术家的速写本，可以在之前经验的基础上再提炼和升华。尤其是经过一段时间的沉淀以后，我们回过头看自己的作品会更清晰也更客观。具体操作非常简单，将同一幅画面对称复制两次，形成一个中心对称的图案，打破之前固有的形式，释放出新的感觉。我选这幅作品是对这个光影黑白的效果非常感兴趣。这让我想起美国当代艺术家罗斯科也用过类似的手法。现在回想起来我当时的创作意图与他非常相近，但呈现出来的感觉完全不同。我认为还是受传统文化和审美的影响。
马克·罗斯科作品
下面这幅《野草》是2016年创作的。从画面的效果来看毛笔笔触的感觉比《星光》更强一些。原底是我在2005年用红外线胶片拍的草地，底片冲印出来直接扫描到电脑就是这个效果，我将同一张照片上下对称排列了一下。
野草｜2016
创作这幅作品是受到黑泽明的著名电影《罗生门》启发。这个电影的情节太复杂，没太看懂，但人心叵测这个主题我是感受到了。我怎么用摄影作品去表达这样一个抽象的感受，当时想到了就是之前拍的草地的片子。原片看着有些压抑，同时又很平面，对称的方式强化了它的形式感，更重要的是画面中间出现了一道光。好像人的内心在光明与黑暗中挣扎。
这个效果不是photoshop做出来的，我不是反对用photoshop做效果。但我认为用photoshop做出来的效果会削弱摄影本身的直观感，就是按下快门那一瞬间的感受，好像酒里加了焦糖和水的感觉，不如原酒喝得带劲儿。
这两幅是2016-2017年的作品，现在回头看还是很有意思，很大一个原因是这里有东方韵味，没有被摄影具体的形式所限制，完全忠实于当时内心的感受在创作，在创作中重新发现了自己。
