采访Anouk Kruithof的刚开始其实是吃了闭门羹的。 “我已经接受过太多的乏味的，相同的采访，老实说，我最近有点累了。” 但是庆幸的是，因为我们是中国的媒体，Anouk Kruithof直言可以在微信上找她，她不介意跟我们随便聊一聊。
Anouk Kruithof（1981）是一位荷兰艺术家，在墨西哥城，纽约和阿姆斯特丹之间生活和工作。
Anouk Kruithof
N：你的新书《AUTOMAGIC》野心很大，听说是从十多年前就开始了是吗？
A：确实这本书的基础就是大量自动存储的照片，我在2003年至2015年之间用小型数码相机拍摄了数千张照片，后来的时候我有了iPhone，让这个巨大的图像档案增长和发展相当迅速和有趣。但是，这个漫长的过程到了最近，我才开始认为这个档案可以变成一个书项目，在做这个档案开始的8年中，我其实从来没有做书的想法。
AUTOMAGIC
但在2011年，我开始做第一选择，看看所有这些图像，并质疑它们与他人的关系。我唯一知道的是，我不想让这本书有一个清晰的叙述，因为它只是我到过或者居住过的地方的一个非常广泛的图像集合。总的来说是一个混合着想法，巨大的，大多是旅行照片的自动存储，并没有明显的组织，只有类似于数码设备留下的“年份”之类的概念。我采取自由混合的方式，将这些所有的图像，在大锅里搅拌它多年。看他们，思考他们，去语境化，解释和重新加工它们成九个不同的图像章节，与这一本指导手册形成十个单独的书籍，构成新语境。这是一个企图消除地理位置、边界和社会属性的项目，我喜欢将这本书作为一个整体的想法去看。
AUTOMAGIC
N：是很具野心的项目，但是实施的过程听起来挺随便的。该怎么说呢？这个作品在自己脑子里提前完成了。
A：哈哈，可能是有点偷懒。这本书更多是在想法层面，去表现这样具有野心的主题，也许自命不凡？也许不可能？这都没关系。
《连接》展览现场
N：但你也有一些看起来很严肃的项目，《连接（connection）》在我看来是一种新的精神仪式与社交媒体（Instagram）交织在一起。你认为可以将这种表演（performance）的能量转化为数字化（社交媒体）吗？
A：我很高兴你能关注到我最具实验性的一个项目。在某种程度上你是在询问是否有可能将物理能量传递到Instagram的平坦表面。在这个时代，数字工具，物理行为和网络展示之间的空间是一个可疑和有趣的空间。我在泰特美术馆的一个繁忙的书展期间组织一个表演，《连接》是相当实验性的，因为包括公众的文档和邮寄是我不能控制的东西，但我莫名的相信它能够运转。我正在进一步思考人类的情感和互联网是不是能够相连。在近期的作品中，我也将着力于这一点，我们现代社会的心态会通过互联网产生共鸣和呼吸吗？其中的结构和关系是怎样的？ 《连接（connection）》是一种社会干预，解决了连通性的想法。
作品《连接》
N：颜色擦除了社交功能，人们的身体像一个雕塑的整体。
A：对，就是这样。通过节奏，运动和色彩的表现创造了和谐,诱使公众自发地记录它。在SPBH Instagram帐户上，公众可以使用#makingmemeries标记上传他们的照片和视频。两个屏幕显示这个Instagram帐户的和它正在进行的活动。 Instagram上构建了物理（离线）和数字（在线）体验之间的桥梁。公众和两个雇用的文档人一起成为Instagram馈送的作者，模糊了作者身份。《连接》强调了社区在线和离线的重要性。
N：在你的项目《#evidence》中，你将雕塑，摄影，社交媒体连接到一个丰富多彩的装置中。你会如何描述你作品中摄影的角色，为什么摄影会是你作品中稳定和承接的组件？
A：在作品的灵感来自Larry Sultan和Mike Mandel的《Evidence》，1977年出版的时候，它提出了对摄影艺术和作者思想的质疑。 Sultan和Mandel使用了他们从美国西海岸各种机构的档案中选择的照片，混合在一起，并以一系列自主图像显示，形成了预测美国不明确未来的视觉篇章。他们的书也作为一个示范，照片的意义是在其中看到的上下文的纽带。
solo exhibition #EVIDENCE at gallery BoetzelaerINispen Amsterdam
我住在纽约4年，在那里我与Sultan和MandelI感同身受，对美国可见的不确定的未来状态的好奇。在《#EVIDENCE》中，我研究了在数字时代是否可以执行类似的行为，其中图像作为纯粹的证据已经失去了其完整性。我选择的图像来源都是有一个明确的出发意图，从而质疑照片的完整性：美国各公司，机构和政府机构的Instagram帐户。对27家公司，15家政府机构和11家机构的完整Instagram输出进行了广泛研究，选出了大约650个截图，形成了全新工作的源泉。
solo exhibition #EVIDENCE at gallery BoetzelaerINispen Amsterdam
在源自该源材料的各种类型的工作的每一种中，以不同的方式扭曲，改变，拉伸和组合照相材料（屏幕截图）。我这样做不是故意抢夺材料的原本意图，而是添加新的，不同的意图和讯息。一个新的意图就会产生，这次是一个不太具体，不太稳定和不太透明的，我们生活在这个相当“假的”世界，我们身在其中所以我们认为它是正常的，但基本上所有的时候都是在被误导。
N：我的同事说像亚历山大·考尔德（Alexander Card）的作品。怎么理解这件作品的雕塑感？或者说是物质性？
A：其实这很像之前提到的那个概念的反面，压缩压缩再压缩，将网络上照片的能量延续到现实中来。
N：你对作品的具体物理形态有明确的要求吗？
A：作为创作者来说，你是要对最后的作品负责的，它很可能牵扯到许多方面，所以我会有这方面考虑，但这并不意味着我认同。我对当代摄影的理解就是像水一样（like water），它会不断的改变，转换甚至消失，所以对脉络的把握一定要空前的清晰，这才不会让你在泛滥的图像中迷失。
N：这让我想到DIS小组借鉴李小龙的那句话，“像水一样，我的朋友（Be water my friend）”。你们都参加过2015年MoMA的“图像之海”的展览。这个观点很契合，也很像某种方向。
A：确实是这样的。摄影是我的背景，即使我不是一个很纯粹的摄影师。我主要是一个基于照片的艺术家。我工作的摄影材料，无论这是否是一组我自己拍摄的照片，截图从Instagram帐户剥夺，具体的照片从我知道的收藏家那里获取，但最终这些图片都将被我“压缩”，这种压缩不仅是物理上的，更是精神上的，重新生产，我不定义这个“来源”的层次结构，因为一切都是图像。
